Funcionalismo, en arquitectura, es el principio por el cual el arquitecto que diseña un edificio debería hacerlo basado en el propósito que va a tener ese edificio. Esta declaración es menos evidente de lo que parece en principio, y es motivo de confusión y controversia dentro de la profesión, particularmente a la vista de la arquitectura moderna.
No debe confundirse con el funcionalismo como corriente teórica en las ciencias sociales (sociología y antropología).
Los orígenes del funcionalismo arquitectónico se pueden remontar a la triada del arquitecto romano Vitruvio, donde la utilitas(traducida también como comodidad o utilidad) va de la mano de venustas (belleza) y de firmitas (solidez) como una de las tres metas clásicas de la arquitectura y su influencia fue particularmente notable en los Paises Bajos, la Unión Soviética, Alemania y Checoslovaquia.
Las teorías funcionalistas toman como principio básico la estricta adaptación de la forma a la finalidad "LA FORMA SIGUE A LA FUNCIÓN", que es la belleza básica.
Ya no es suficiente deleitar a la vista, sino que también debe articular la estructura, simbolizar o describir la función del edificio, o tener un propósito útil.
En el periodo de entre guerras, y especialmente hacía 1920, el movimiento moderno madura con las obras de Le Corbusier y la fundación de la bauhaus, que se consideran como el periodo clásico.
Fundador de la famosa escuela de diseño. La escuela de la bauhaus en la que se enseñaba a los estudiantes a utilizar materiales modernos e innovadores para crear edificios, muebles y objetos, originales y FUNCIONALES.
Nos dice Guillo Dorfles, es funcional"aquel sistema constructivo en el que el empleo de materiales estén siempre de acuerdo con las exigencias económicas y técnicas en el logro de un resultado artístico"
LA ARQUITECTURA FUNCIONAL SE REQUIERE INDICAR, PUES, AQUELLA ARQUITECTURA QUE LOGRA, O SE ESFUERZA POR LOGRAR, LA UNIÓN DE LO ÚTIL CON LO BELLO, QUE NO BUSCA SOLO LO BELLO OLVIDANDO LA UTILIDAD, Y VICEVERSA.
Fue un gran proyecto urbanístico desarrollado entre 1954 y 1955 en la ciudad estadounidense de San Luis,Misuri. Poco tiempo después de haberse construido, las condiciones de vida en Pruitt-Igoe comenzaron a decaer; y en la década de 1960, la zona se encontraba en pobreza extrema, con altos índices de criminalidad y segregación, lo que provocó la reacción de los medios internacionales ante el espectacular declive del barrio. El complejo fue diseñado por el arquitecto Minoru Yamasaki, autor, también, de las torres del World Trade Center.
A las tres de la tarde del 16 de marzo de 1972, menos de 20 años después de su construcción, el primero de los 33 gigantescos edificios fue demolido por el gobierno federal. Los otros 32 restantes fueron derruidos en los siguientes dos años. Las dimensiones del fracaso de Pruitt-Igoe, que se convirtió en un icono emblemático, provocó un intenso debate sobre política de vivienda pública. El proyecto Pruitt-Igoe fue una de las primeras demoliciones de edificios dearquitectura moderna y su destrucción fue descrita por el arquitecto paisajista, teórico e historiador de la arquitectura Charles Jencks como «el día en que murió la arquitectura moderna». El material grabado de la demolición fue incluido en la película Koyaanisqatsi, de Godfrey Reggio con música de Philip Glass, que compuso una pieza de ocho minutos de duración y que recibió el nombre del proyecto.
Durante los años 1940 y 1950, la ciudad de San Luis, restringida por sus límites establecidos en 1876, era «un lugar atestado»; en sentido clásico, parecía y se sentía como una verdadera gran ciudad... como sacada de una novela de Charles Dickens.Su acumulación de viviendas se deterioraron durante el período de entreguerras y la Segunda Guerra Mundial. Más de 85.000 familias vivían en pisos del siglo XIX y un estudio oficial de 1947 reveló que 33.000 hogares aún tenían baños comunales. Los residentes de clase media, en su mayoría de raza blanca, estaban abandonando la ciudad y sus antiguas residencias las ocupaban familias de bajos ingresos. Los barrios negros (al norte) y los blancos (al sur) de la parte antigua de la ciudad se segregaron y expandieron, amenazando con engullir el centro de la ciudad. Para salvar las propiedades del centro de una inminente devaluación, las autoridades de la ciudad de San Luis iniciaron un re-desarrollo del «anillo central» alrededor del distrito central de negocios. La decadencia ahí fue tan profunda que la gentrificación de los bienes inmuebles existentes se consideró poco práctica.
En 1947, los planificadores de San Luis propusieron el reemplazo de De Soto-Carr, un barrio negro en caída libre, por dos —e incluso tres— nuevos bloques de edificios residenciales y un parque público.Sin embargo, el plan no se llevó a cabo finalmente. En lugar de eso, el alcalde demócrata Joseph Darst, elegido en 1949, y los líderes republicanos del estado, optaron por la limpieza total de los barrios marginales y su sustitución por viviendas públicas de alta densidad. Explicaron que los nuevos proyectos crearían un resultado neto positivo para la ciudad a través de mayores ingresos, nuevos parques, zonas de recreo y espacios comerciales.
En 1948, los votantes rechazaron la propuesta de un préstamo municipal que financiara el cambio, pero pronto la situación cambió con el Acta de Vivienda de 1949 y las leyes del estado de Missouri que proporcionaban la co-financiación de los proyectos de vivienda pública. El acercamiento efectuado por Darst, de renovación urbana, fue compartido por la administración de Harry S. Truman y sus colegas alcaldes de otras ciudades, abrumados por los trabajadores industriales reclutados durante la guerra. En particular, la Autoridad de Reurbanismo y Desmonte de San Luis (Saint Louis Land Clearance and Redevelopment Authority) fue autorizada a adquirir y demoler los barrios menos favorecidos del anillo central y vender, así, los terrenos a precios más bajos a promotores privados, fomentando el regreso de la clase media y el crecimiento del sector de los negocios. Otra agencia, la Autoridad de Vivienda de San Luis (Saint Louis Housing Authority), tenía que limpiar el terreno con el objetivo de construir viviendas públicas para la antigua población de los barrios más pobres.
En 1950, San Luis había obtenido ya un compromiso federal para financiar 5.800 unidades de vivienda pública. El primer gran proyecto de este tipo en San Luis, Cochran Gardens, fue completado en 1953 y estaba destinado a blancos con bajos ingresos. Consistía en 704 viviendas dispuestas en doce grandes edificios y su continuación fue Pruitt-Igoe, Darst-Webbe y Vaughan. Pruitt-Igoe estaba destinado a jóvenes blancos y negros de clase media, aislados en diferentes edificios; mientras que Darst-Webbe iría enfocado a inquilinos blancos de escasos ingresos. La vivienda pública en Missouri mantuvo la segregación racial hasta 1956.
En los años 50 aún existía en Estados Unidosla segregación racial. El proyecto residencial se separaría en dos zonas, la zona Pruitt, llamada así en honor a un héroe de la guerra afroamericana, que sería para los habitantes de raza negra y la zona Igoe, nombre de un congresista estadounidense, para los habitantes de raza blanca. Años después, con el complejo acabado fue abolida la segregación en Missouri y esa concepción se disolvió.
Tratando de evitar el congestiona miento en estos edificios de tan alta densidad se instaló un sistema de ascensores skip-stop, sólo paraban en ciertas plantas. Cada edificio estaba recorrido por solitarias y largas galerías que sumado a las características de los ascensores no resultaron ser cómodos para las personas que los habitaban, quienes debían utilizar las escaleras, a la vez que propiciaban la estadía de vándalos y gente de mal vivir, siendo probablemente uno de los motivos que llevó a la dejadez y a su demolición años después. A los inconvenientes acarreados por el abandono del lugar y el aumento de bandas que destrozaban todo, se sumó el marco escogido para su edificación, St. Louis, ciudad en decadencia económica en ese momento. Se construyó un complejo basándose en las experiencias del mismo estilo en Nueva York, sin tener en cuenta la gran diferencia en la economía entre ambas ciudades
Finalmente, el complejo fue demolido en 1972, y la zona quedó vacía, ya que eliminar los cimientos es muy costoso, y no se supo que construir en ella.
Se trató de un complejo de 33 edificios de once plantas construidos sobre 23 hectáreas, 2870 viviendas en total. Desde el comienzo hubo errores en el proyecto, demasiada condensación de viviendas en un espacio pequeño, sumado a errores de diseño y construcción.
Los pisos eran demasiado pequeños, realizados con malos e insuficientes materiales, malos equipamientos, zonas verdes que nunca llegaron a desarrollarse y arboledas que nunca fueron plantadas, recortes arbitrarios en las partes fundamentales de los edificios por sobrepasar los costes máximos acordado por el Acta de Vivienda. El sistema de ventilación era pobre y no existía aire acondicionado. Las plantas bajas fueron equipadas con grandes corredores, lavanderías, salas comunes y conductos de basura, espacios que no fueron aprovechados con los fines propuestos ya que rápidamente atrajeron a bandas intimidatorias.
Desde un comienzo la construcción no se realizó de forma correcta y el barrio sería calificado por el Arquitectural Forum como “vecindarios verticales para gente pobre”. En 1956, año en que se abolió la segregación racial en el estado y ante el éxodo de las familias blancas, el complejo pasó a ser habitado casi exclusivamente por familias negras.
Terminada la lucha armada conocida como la Revolución Mexicana de 1910, fue inminente la reconstrucción y pacificación del país, trabajo que el entonces presidente electo General Álvaro Obregón, en el año 1920, encomendó a José Vasconcelos al nombrarlo como Secretario de Educación Pública. Sin embargo, José Vasconcelos, intelectual reconocido y respetado, se enfrentó al problema de cómo educar a un pueblo cuya gran mayoría de las personas era analfabeta; la respuesta la encontró en el arte, ya que éste aportaba una serie de cualidades que lo hacían una vía idónea para esa labor de restauración de la identidad y afirmación de la doctrina de la revolución.
Es así como nació en México el primer movimiento latinoamericano de arte, contrario a los dictados de un academicismo ya obsoleto: “el muralismo”. Esta corriente, que abarcó prácticamente medio siglo, de 1920 a 1970, fue una respuesta que puso al arte y la cultura al servicio de la sociedad y del gobierno revolucionario mediante el trabajo en los muros de varios edificios públicos para plasmar sus ideales, señalar y denunciar a los explotadores del pueblo trabajador, de los campesinos y los obreros. En estos trabajos destacan artistas como: Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Pablo O’Higgins.
Paralelo al movimiento muralista surge otro en la pintura de caballete, que agrupó artistas que coincidían en muchos de los intereses del propio muralismo, conocido como la Escuela Mexicana de Pintura y Escultura. El término ha sido producto de la necesidad analítica de historiadores y críticos por referirse a una etapa específica de la producción plástica de los artistas nacionales y extranjeros que trabajaron en México desde los años veinte hasta fines de la primera mitad del siglo XX, con secuelas posteriores. Esta corriente buscó crear conciencia social de nuestra identidad así como el entender la grandeza de las culturas mesoamericanas a través de la representación y continuidad de la tradición de la pintura costumbrista y de paisaje, pero que, influenciados por los movimientos sociales armados como la propia Revolución Mexicana de 1910, buscó enaltecer un nacionalismo o, para decirlo mejor, un meso-americanismo que se defendía ante las posturas internacionalistas que surgían como vanguardias de la posguerra venidas de los países imperialistas o de las grandes potencias.
La mayoría de los pintores de esta época se vieron inmersos en el muralismo, aunque nunca abandonaron la obra de caballete. En sus creaciones, utilizaron elementos y alegorías que reflejaban lo que ellos consideraban la “esencia de la nacionalidad”, como la asimilación de la historia prehispánica y la inclusión de elementos propios del arte popular, conformando así una meta común que permite considerar este período como uno de los más importantes en la historia del arte nacional, considerado como el “Renacimiento mexicano”.
Se agrupa en esta "escuela" a pintores de muy distintas edades y contextos, que aunque tenía una visión plástica totalmente opuesta, concebían su trabajo pictórico como una nueva representación del "ser mexicano", con énfasis en lo popular y en lo mítico.
Uno de los exponentes más interesantes de esta escuela fue el paisajista jaliscienseGerardo Murillo(1875-1964), mejor conocido como elDr. Atl.
Durante su vida Murillo dio mucho de qué hablar por su fuerte personalidad y su genio, pero también por su tórrido romance con Carmen Mondragón, mejor conocida comoNahui Ollin(nombre que él mismo le puso).
ElDr. Atlfue un pintor reconocido en todo el mundo: se dice que él diseñó el telón de cristal elaborado por la Casa Tiffany de Nueva York para el escenario del Palacio de Bellas Artes.
Generación de la Ruptura
Es el nombre que dio la crítica de arte Teresa del Conde al conjunto de artistas mexicanos y extranjeros radicados en México, que en la década de los 50 comenzaron a reaccionar contra lo que percibían como los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura, la cual aglutinaba a los muralistas mexicanos (David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera y José Clemente Orozco entre otros) cuya temática nacionalista, izquierdista y revolucionaria había sido la corriente artística hegemónica en México desde el estallido de la revolución mexicana en 1910. La generación de la Ruptura incorporaba valores más cosmopolitas, abstractos y apolíticos en su trabajo, buscando entre otras cosas expandir su temática y su estilo más allá de los límites impuestos por el muralismo y sus ramificaciones. Es de hacer notar que el movimiento no fue jamás organizado ni definido, como tal se daba de modo bastante espontáneo, no era deliberado y las relaciones entre sus miembros fueron más bien informales.
Rufino Tamayo fue un artista pionero en romper la conexión que tenía con el movimiento muralista, pero no perteneció a la generación de la Ruptura. Sus pinturas eran siempre muy coloridas, con detalles mexicanos muy propios de sus obras. Su temática era el hombre y los objetos que lo rodeaban. Destaca por sus sandías.
José Luis Cuevas asistió a la edad de 10 años a la Escuela Nacional de Pintura y Escultura “La Esmeralda” en la Ciudad de México. Posteriormente estudió grabado con Lola Cueto en el Mexico City College. Aunque no es un pintor abstracto, fue un opositor a la llamada Escuela Mexicana de Pintura. Escribió el artículo "La cortina del nopal", que dio voz a las inquietudes de los artístas jóvenes de México. Sus obras se caracterizaron por retratar figuras humanas con características muy grotescas y siempre utilizando una gama de colores muy limitada.Se unió a los jóvenes pintores entre los que estaban Alberto Gironella, Enrique Echeverría, Pedro Coronel, Manuel Felguérez y Francisco Icaza, todos, posteriormente parte del movimiento de la Ruptura. Sus trabajos incluían el dibujo y el grabado. Desde muy joven expuso en galerías de Los Ángeles o Nueva York impulsado por el Jefe del Departamento de Artes Visuales de la OEA, José Gómez Sicre.
Pedro Coronel nació en Zacatecas y desde 1950 en adelante él se convierte en un reconocido pintor en México y en el mundo. Sus pinturas estaban basadas en figuras humanas, paisajes u objetos con una presentación geométrica y muy colorido.
Günther Gerzo fue un magnífico pintor abstracto inserto en el geometrismo. Todas sus pinturas son grandes planos de color con formas geométricas. Sus pinturas eran muy emotivas.
Arnold Belkin llegó a México a los 18 años atraído por el muralismo. Tuvo varias etapas figurativo, expresionista y finalmente usó la fotografía como lo había hecho Siqueiros y a partir de ahí descompone sus figuras.
Carlos Mérida fue un gran pintor guatemalteco que vivió por un largo período en México, e igual que Tamayo fue precursor del alejamiento con los temas de la llamada Escuela Mexicana de Pintura. El también utilizó el arte abstracto para romper esquemas pero con un toque diferente a los demás, se inspiró en la arquitectura maya con representativas características en sus pinturas. Toda su obra la hizo en México y fue parte de los pintores que utilizaban el abstracto figurativo, y estuvo cercano a la pintura de Miró.
Roger von Gunten nació en Suiza y como ya era de costumbre llegó a México. Fue figurativo abstracto con una paleta de color muy estridente.
Vlady es el pseudónimo de Vladimir Kibalchich Rusakov pintor ruso afincado en México. Creó una nueva técnica de pintura llamada impasto. Esta técnica consiste en poner grandes plastas de pintura encima de otras para crear un efecto de profundidad. Además de dominar con maestría la técnica veneciana del temple de huevo. Fue un gran exponente del grabado calcográfico con lo que fuera la característica madre de La Ruptura, el uso del abstracto figurativo.
Cordelia Ureta no perteneció a esa generación, pero desde antes pintaba de manera abstracto en lo que más importaba era el color, en otros momentos regresaba a lo figurativo, sin ser realista en las cuales tenía grandes capas de color.
Remedios Varo fue mejor dicho surrealista, no abstracta. Realizó en México su obra más esplendorosa. La clase de pintura que ella creó fue llamada alucinaciónpor sus alocadas características y personajes.
Alberto Gironella fue un innovador de su tiempo. Su obra fue tan propia de él que creó un nuevo estilo llamado ensamblaje. Este estilo constaba en crear una obra con partes de otras. Trabajó con una temática española, debido a sus antecedentes. Las Meninas, la reina Mariana, pero también Zapata fue motivo de su pintura.
Mathias Goeritz nació en Alemania y aunque es reconocido como arquitecto y escultor su inspiración viene de los dibujos y arte de otros artistas plásticos. Proyectos tan famosos como la Ruta de la Amistad para las olimpiadas del año 68 en México, La “Osa Mayor” en el Palacio de los Deportes y las “Torres de Satélite” en México.
Gustavo Arias Murueta es un artista plástico mexicano dedicado a la pintura al óleo, el grabado y el dibujo. Arias Murueta colaboró con otros artistas en la realización de un mural colectivo para apoyar las demandas estudiantiles durante el Movimiento de 1968 en México. El mural fue una obra improvisada realizada sobre láminas de zinc corrugado que cubrían las ruinas del monumento a Miguel Alemán Valdés.
Vicente Rojo Almazán, nació en Barcelona en 1932. En 1949 llega a México donde estudia pintura y tipografía y realiza durante más de cuarenta años una extensa obra como pintor, escultor, diseñador gráfico y escenógrafo. Ha colaborado además en la fundación de editoriales, suplementos culturales y otras aplicaciones. En 1991 recibió el Premio Nacional de Arte y el Premio México de Diseño.
Estos son algunos de los artistas participantes en lo que se ha denominado La Generación de la Ruptura en México, con la que se marca el comienzo de la nueva era del pensamiento artístico, sin seguir los estándar de academias o de sociedades. En la opinión del arquitecto y escultor Fernando González Gortázar deberían de ser incluidas Ángela Gurría y Helen Escobedo.
La Bauhaus fue la escuela alemana artística en la que se unificaron la arquitectura las artes plásticas y la artesanía, que ejerció enorme influencia en la arquitectura contemporánea, acaparando un gran abanico de posibilidades de expresión como en las artes gráficas e industriales y el diseño de escenografías y vestuario teatrales. Con tan solo catorce años de existencia logro gozar de muy buena fama llevándolo al calificativo que aun se manifiesta de “estilo bauhaus”.Fue fundada en Weimar en 1919 por el arquitecto Walter Gropius quien unió las antiguas escuela Superior de arte del Gran Ducado y la escuela de Artes y Oficios, dando así origen a la Bauhaus estatal de Weimar, en la que la principal intencion era la simplicidad de la forma reduciendo el objeto a la mera funcionalidad.
Lugar en donde grandes artistas contemporáneos se congregaron para hacer parte del grupo de docentes que llevarían a cabo el éxito de la Bauhaus; Artistas como wassily Kandinsky, Paul klee, Lyonel Feininger, Oskar Schlemmer, pioneros de la época. De igual forma László Moholy-Nagy, Johannes Itten, Josef Albers quienes hicieron grandes aportes a la reforma pedagógica de la escuela.
Llena de prejuicios y malentendidos la bauhaus cargada con tales cuestionamientos logro convertirse en abreviatura de la modernización radical de la vida.
A la conclusión de la I Guerra Mundial, la derrotada Alemania firmó con las potencias aliadas vencedoras un acuerdo de paz en el palacio francés de Versalles. Alemania, que había adoptado un régimen republicano (la llamada República de Weimar) tras su fracaso bélico y después de la disolución del II Imperio Alemán, la evolución de la Bauhaus corrió paralela a la historia de ésta primer república, Weimar lugar en donde se elaboró la constitución democrática, y de igual forma Walter Gropius fundó la escuela en 1919.
Con tres directores a su cargo, Walter Gropius (1919-1928), Hannes Meyer (1928-1930)y Ludwig van der Rohe (1930-1933)y así mismo tres lugares en donde se ubicó Weimar, Dessau y Berlín, marcó cada una de sus etapas, reflejándose en los planteamientos, educación, y producciones, desenvolviéndose en momentos de crisis, económica, social, política.
Las duras condiciones impuestas a lo largo de la década de los 20´s en Alemania, dieron lugar a la aparición de numerosos grupos nacionalistas alemanes que demandaron la revisión del Tratado de Versalles, y que servirían de soporte para el ascenso al poder en la década de 1930 del nacionalsocialismo, y consigo una fuerte presión para obligar el cierre absoluto de la bauhaus el 12 de Abril de 1933.
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ANTECEDENTES
Se remontan al siglo XX, periodo en donde comienzan las devastadoras consecuencias que la creciente industrialización, primero en Inglaterra y posteriormente en Alemania, tuvo en las condiciones de vida y en la producción de los artesanos y la clase obrera. Un cambio en las estructuras sociales, gracias al progreso tecnológico, proletarizando grandes sectores de la población.
Inglaterra se convirtió en el siglo XX, en la potencia industrial más prominente de Europa, estando en la cabeza de los adelantos técnicos y culturales entrando a los 90´s.
El escritor inglés John Ruskin fue de los primeros en observar la situación, llevándolo a renunciar al trabajo con maquina, queriendo mejorarla, con reformas sociales, planteó su ideal como un trabajo al modo medieval, como lo describió en su libro “the stones of Venice” (1851-1853). Así mismo William Morris su más importante seguidor, admirador y amigo de Ruskin, era el encargado de traducir todas sus ideas en hechos, compartían el odio a la civilización moderna y a sus productos, planteando inventar de nuevo cada silla, cada mesa, cada cama, cada cuchara, cada jarra, cada vaso, cada elemento industrializado y elaborado con ayuda de la maquina, fundando el llamado Arts and Crafts Stil, inspirado en modelos góticos y orientales.
En Inglaterra se venían reformando los procesos educativos para artesanos y academias en la década de los 50´s, los alumnos tenían que diseñar por sí mismos en lugar de copiar modelos dados. Morris apoyado económicamente como respaldo de esa Inglaterra interesada en mantener el liderazgo en el campo de las artes y oficios, se afilia al socialismo en vista de ver un éxito parcial al no llegar a la masa de la población, siendo uno de los más importantes representantes del movimiento en los ochenta y noventa.
“Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo”, desafío adoptado por casi todos los movimientos culturales innovadores, pensamiento que apadrino la fundación de la Bauhaus.
Se estableció en Viena el museo austriaco de artes y oficios, de igual forma en Berlín se fundó el museo de arte industrial en 1871, el cual con la emperatriz Augusta, esposa de Guillermo I, como principal promotora, se intereso en poner fin a la crisis en que se hallaban las artes industriales alemanas, sin tener peso, llego un segundo empuje con la llegada de Judendstil (modernismo) que dominaría europa durante quince años.
En 1896 Hermann Muthesius, fue enviado 6 años por el gobierno prusiano a Inglaterra, como (espía del gusto), para estudiar las causas del éxito inglés; a su regreso se ampliaron los talleres en las escuelas de artes y oficios y artistas modernos fueron llamados como profesores. Peter Behrens reformo la academia de Düsseldorf, Hans Poelzig la de Breslau y Bruno Paul la escuela superior de Berlín, Otto Pankok amplio con talleres la escuela de artes y oficios de Stuttgart y Henry van der Velde tuvo a su cargo la de Weimar. Las mujeres empezaron a tener mayor participación en dichas escuelas, se fundaron por toda Alemania pequeños talleres privados y de artes manuales.
Mientras que en Inglaterra los talleres de Arts and Crafts rechazaban la producción con maquinas, en Alemania fue apoyada sin restricciones. Ocasionando que en los noventa Alemania la superara como nación industrializada hasta el estallido de la I guerra mundial en 1914.
Buscando un lenguaje estilístico en el mercado adecuado al prestigio de Alemania, se fundó Werkbund (liga de talleres) fusión más importante entre arte y economía.
Walter Gropius fue nombrado miembro de éste en 1912, tras haber ganado renombre con la edificación (en colaboración con Adolf Meyer) de una nueva fábrica de hormas de zapatos Fagus, en Alfeld, cerca de Hannover; primer edificio con una curtain-wall (pared-cortina).
La primera Guerra Mundial, ocasiono una reacción en manos de los artistas que ponían en tela de juicio el sentido de la guerra, publicando manifiestos, panfletos, proponían un giro de pensamiento, cuyo centro seria el “Arbeitsrat für kunst” (concejo de trabajo para el arte), fundado por el arquitecto Bruno Taut en 1918, siendo el primero en promocionar en su propaganda casas populares y la cooperación de todas las artes en la construcción.
Llevando a Gropius a basar su propuesta en el “crear juntos la nueva construcción del futuro que será un todo conjunto, arquitectura, escultura y pintura”, apropiándose de igual manera de los fundamentos de la educación y la jerarquización que planteaba Otto Bartwing de: aprendiz-oficial-maestro. y Así teniendo un vinculo muy fuerte con la escuela de artes y oficios de Weimar, asumiendo la direccion y nombrandola como Bauhaus estatal de Weimar,unificando las antiguas escuela superior de Arte del Gran Ducado y la escuela de Artes y Oficios.
CARACTERISTICAS
Uno de los principios básicos de la escuela era formar un movimiento de artistas con plena conciencia social e intelectual, formar jóvenes artistas que no cayeran en lo típico. Perseguían la armonía entre arte e industria. Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo era una meta común en los movimientos culturales de la época que pretendían innovar.
Unión de arte y funcionalidad Esta fusión es elemental porque hace que el artista ya no sea una entidad aislada, sino que entra a la sociedad como un personaje útil, interviene directamente en ella. El arte entra a los hogares con una función. Se trataba de crear productos funcionales y económicos pero a la vez atrayentes para el mercado. Para esto se utilizaron materiales más baratos (como metal, vidrio, cristal, madera, entre otros).
En Bauhaus se enseñaba a crear. El trabajo manual era la base del artista. Gropius incitaba a sus alumnos a probar con distintos materiales, a conocer sus propiedades, manejarlos y adoptar el que más le acomodara.
Consideraban las formas y los colores básicos representaban un precio industrialmente más económico, por lo que las formas del círculo, el cuadrado y el triángulo fueron tomadas como puntos de partida. En las clases sobre forma se empezaba a trabajar con estas figuras elementales y a cada una de ellas se le atribuía un carácter determinado. Así, el círculo era ‘fluido y central’, el cuadrado resultaba ‘sereno’ y el triángulo, ‘diagonal’.
La escuela en sí era un laboratorio, querían ejercer una experiencia vivificante en el mercado pero no absolutamente masiva. Buscan la calidad y no una novedad efímera. Para ellos la belleza radica en el material, sin ornamentos. Critican el uso de formas innecesarias.
